本文只代表个人观点，请理性看待。
一些比较宏观和感性的思考
我比较肯定这个戏由剧院二团排演的效果，我的赞同大于否定。
二团这版，总体是对80年代一团原版的一次还原度较高的复排（至少是相较一团2025年版本更值得好评），而舞美、服装、音乐等方面也被二团班底赋予了一些新时代审美（虽有个别服装带有“影楼风”“暴发户审美”的影子，但不致妨碍整体）。
迄今的两次剧场演出，从23年到26年，又有些微舞美调整，让整台戏看起来更“整”、更和谐了（当然也不是全部都变好。例如生祭场，案台放置一对白烛，也许比放置一个香炉更应景）。
首先，我依然想强调下面这句硬道理——
好的老戏，先有传承，再言创新
戏曲艺术规律的延续，就是要靠程式化表演的一代代传递。
并不是说，80年代那些成功的移植或新编剧目，就是尽善尽美、能完整诠释剧种的特征和风格，其舞台表现就可以被奉为圭臬、被升华为潮剧表演的金科玉律（这是相比50、60年代的经典剧目而言。那个年代的一些作品，几乎轻易就能担上“代表潮剧”“无处不好”的美誉）。
但是，我从各类录音录像作品中体会到：80年代的行业，文化土壤依然肥沃，业界风气还恪守底线和追求。敬畏意识和匠心精神尚未变质，程式化的表演路数，还在潮剧前辈们的身上发光发热。
多年舞台经验的剧种老人退居幕后、执导创作；编剧不走流水线生产，用自己的口气讲好故事；作曲在传承中融合创新；舞美善于学习化用；老中青三代演员相互成就、表演形象各树一帜。
只要老人们都还在，都还愿意投身创作、深入传帮带，那不仅艺术的形式规律不会走样，艺术的孜孜匠心更是不会轻易褪色，文化的自信心也不需要呐喊、自有见证。
即使在移植剧目上，院团也深知，需要用积极主动的创作，来赢取观众青睐，而且他们有底气、实力去这么做。
这样作品的精神面貌，是有活力的，是往上走的。
像《汉文皇后》这个戏，因其文化自信，便自然而然传承到了一种，能见之于50、60年代潮剧经典作品中的重要艺术品格——
乐而不淫，哀而不伤
这个说法大概是几年前朋友偶然和我聊起。这句话也比较大启发了我的看戏观。
它代表了中国自古文学作品一种崇高的精神境界，也传递出中国文学艺术作品中正典雅、温柔敦厚的审美取向。
不狂轰滥炸、不持续爆发，而是一线情丝贯穿全本，在克制和压抑中，缓缓推进戏剧的矛盾与冲突。
戏曲演员，他的执念不是“我就是人物”，而是“我在演人物”。
为了把剧中人物的情绪动作呈现给台下观众，他要选择用合适的声音、神情、形体、舞蹈语言进行演绎。
他应该用夸张和外显的艺术加工方法，但他更应该用符合戏剧规律的程式化的处理形式，而不能过于沉浸和忘我、让舞台形象失控和走偏。
表演的手法是委婉的，整台戏的氛围也便是圆融的。
因此，我觉得，秉持克制感，才能葆住戏曲表演的观赏性；拥有“以歌舞演故事”的自觉意识，舞台创造也才能够追求细腻传神、耐人寻味。
一些具体的点
1. 删戏
剧本上，终归是删减了很多80年代原版的唱词内容，和剧院一团前些年一直演出的版本同样。
最关键大概就是册后、弟难的唱段删减，对剧情结构和情感渲染的影响是比较重大的。可惜。
2. 帮声
在唱腔音乐方面，后台帮声少于运用（反而是一团25年版本的帮声使用比较多。那一版，册后的“忆昔年”、惊变的“姐弟重逢喜开颜”都如同80年代原版，是使用帮声的）。
我内心几乎想吐槽，用几句后台男帮声，就想把册后、廷判这些场次里的重要唱段拿来满足观众的期待，诚意还是给得不够足呐——说笑了。
3. 乐队
二团的乐队，打击乐（武畔音乐）总有一些独特的辨识度，仿佛是新世纪以来剧目都比较稳定的风格。
除了锣鼓音色的自有特征之外，乐器的搭配和选用，也是比起一团有所不同（木板组合似乎比剧院一团多出了一种，可能是司鼓员的手法问题吧）。
二团以往几次排演一团演过的戏，例如全本戏《春草闯堂》、比赛剧目《大劈棺》等，偶尔有些瞬间都会让我觉得，诶，这段锣鼓还能这么打，也是挺“有感觉”的。
管弦乐（文畔音乐）方面，在诸如“认弟”“惊变”“姐弟别”等一些唱段中，可以听到在旋律中的层次变化，并且没有不必要的做作感、刻意感。
不过，珠玉在前，如今时代风气也非昔比。整体音乐水准要说企及原作，是很难的了。
4. 重提经典
不禁还是要多谈一谈，我对80年代剧院一团原作音乐的印象。
以前那些老戏的管弦乐，在唱词之间的过门音乐，总会有自然连贯的衔接，让旋律听起来不那么干涩和单调。比如这个戏，惊变一场，皇后的唱段，“乍离苦海又坠深潭”“曾记得风雪夜半爹临危”之间，就有类似的琴声点缀（我一时之间很难举出一个多么精彩、到位的例子。以前的琴师，进行演奏时的这种积极态度，是贯穿始终、润物无声的）。
而《汉文皇后》作为庄重的宫廷戏，又更强调竖琴类乐器的运用（在惊变一场中很是明显），这增强了音乐的华丽感，让人惊喜和耳目一新。
同样地，新式乐器的使用，都是点到为止，没有泛滥和花哨感。整个剧作的音乐，大体都是克制而素雅，如潺潺清泉、细水深流。
锣鼓方面，这个戏让我印象深刻的一处细节，是廷判一场，皇后初次登场的锣乐烘托，很能契合情节，体现出从“隐忍”到“激越”的强度变化。
论音乐演奏，还有一处对潮州音乐《狮子戏球》的化用，十分精彩，不仅归功于编曲，更离不开整台戏从前台演员到后台乐队的密切配合，见如下视频。
老戏音乐的种种丰富细节，不一而足。个中气韵，听者感受也许各异。但我相信，只要你打开旧版录音，认真聆听一回，一定能感受到其中的匠心和美妙。
5. 失误
6月5日整一夜演出的差错有不少。
有像错词、漏词、改词这种，看起来和字幕不一致，不知是现场失误，还是在排演阶段就已经将错就错、以讹传讹。比如“古代女子远嫁”误作“远代女子出嫁”（从23年首次复排演出就是这样念）；“十二年风云今初息”误作“十二年风情今初息”；一些人物称谓不一致，等等。
还有类似音响问题、主演掭头这种车祸场面。像序幕场，后台似乎都没马上进入状态，后台歌唱跟不到位，音响调试不佳，主演麦克风失灵，非常影响第一观感。
不知是否是我吹毛求疵。
其实，戏剧演出作为一项需要多方周密配合的工作，出现大小失误，也许无可厚非。
观看以前70、80年代一些老戏的静场录像，它们并非现场演出实况，肯定是整个团队的工作状态都准备得更加完好。甚至，出现差错的地方，还可以随时补录。但总的来说，补录的情况很少出现。
更何况，看到这些院团同期的各类剧场演出实况录像，舞台事故都是鲜少发生的，不失其作为名团大班的风采。
现在的剧院演出，曾有一段时间给我落了个印象，仿佛在剧场观演，一定要习惯一些小车祸，动辄就是后台歌听不到声、音响开启不及时、电子屏上方总有一块“经典”的坏死区域……
这些，我可能说得略有夸张吧。但愿院团方面有则改之、无则加勉。
6. 赶戏
6月5日晚的这场演出，不清楚是否有意赶节奏，不少非核心唱段都是开启了倍速模式。
从司鼓员敲起木板开始，演员就如同念经一样，要急匆匆地唱完。
我盲猜，可能有个原因，是事先商量，为了照顾几位受邀观演的剧院前辈，让他们可以早些回家休息？
其实，也许可以把“周五有戏”的演出时间提早半小时？当然，这可能是很招骂的一句建议。
之前朋友告诉我，外地很多演出时间都是7点半乃至7点就开戏，我便渐渐冒出过这个想法。
但是，大概本地观众们早就习惯和适应了8点开戏的时间；何况对于从外地专程赶来汕头看戏的戏迷而言，晚些开演，也更友好。
如果不提早开演，那我宁可希望，剧院能把戏演得更完整、充分。
真心希望剧院不要再像以前频密下乡时期那样“做计件”，紧赶慢赶加快演出节奏，只为早点收工。
7. 主演
最后，我小小谈一下二位主演的情况，希望以小见大（仅为个人看法）。
二位主演的业务能力，在当前剧院演员的横向比较之中，总体是可嘉的。
二人的嗓音表现，不能说洪亮饱满，但念与唱还不致很吃力；二位演员也保持住了偏朴素的台风，没有沾染到动辄激情过火的毛病，不“花腔”、不“轰炸”，这或许已经是比较难得的表演状态了。
但是，在剧情表现方面，他们在神态和身段上的运用，或多或少还有些稚嫩，有机械和呆滞的感觉。
比如，一段曲词下来，大概率是用同一幅表情、同一种语气完成唱与念的，实际上停顿修饰、层次推进还可以更充足。有些地方，没有太多眼神流转，肢体动作方面也略少变化运用，有些“来到这里就该这样念”、背诵台词而已的无聊之感。
我比较少看女主演的现场演出，以往我看她别的一些戏，或录像、或现场演出情况，例如《井边会》《大劈棺》，并不觉得她有这样“演不出戏”的问题存在。
也许《汉文皇后》这个戏，实在过于厚重，而这次排演时间还是不够，前辈们讲戏还讲得不够仔细，又或者当晚的演出演员有些紧张、放不够开吧……
男主演，借用我朋友的说法，“表情管理”能力还须进一步加强。这可能是表面现象，我觉得大概也叠加了对剧情理解不够准确的内在原因。
比较典型的是亲祸一场，窦广平面对赵通一步步言辞诱导，人物的情绪状态应该是逐渐急恼，从烦扰不堪发展到恼羞成怒，从而醉酒失智。这些情绪层次变化，是需要通过念白、神情、肢体语言各方面思考和实时调整，得以呈现的。在看过80年代录像陈学希的精彩演出后，今日演员的演绎，终归是相形见绌了。
8. 免责
最后我依然要来两句友好的声明—— 如开头所述，我对潮剧院本次复排《汉文皇后》的整体情况持赞美态度。 能看到剧团如此有诚意地将新人推到中台、担纲大戏，还要对他们寄寓太重的厚望，别太“既要又要”了吧？ 能享受到如此惠民的票价，又还要什么自行车？ 心中有善，假以时日，还会成长，还会变好。
尾声
原想写一条小微博，我又无意地写成一篇连篇累牍的文章，赶紧收尾。 重复一句多年前的呼吁：好戏多磨，好戏多看，好戏多评。
