2.14 宏大信念：中国电音“不行”，那要追求怎样的电音文化？

“中国电子音乐为什么不行。”

这已经成为了一个戏谑的梗，但非常遗憾很多人都没仔细思考它。对于“中国电子音乐不行”这一命题，论证它的角度有哪些？

中国没有独创性的本土化电音发展，这是第零方面；大众电音审美低下，“土嗨”大行其道，这是第一方面；中国优秀的电音曲目很少，优秀的电音制作人、优秀DJ很少，这是第二方面；中国的电音“文化”土壤不肥沃，Rave文化不兴盛、或者电音节文化不兴盛，这是第三方面。 

图2.14.1 电子音乐舆论事件之“中国电子音乐为什么不行”。（图/HEM Record）

我们逐个分析：首先，第零方面，这一点不知道大家有没有考虑到。在我看来，电音在本土产生了独一无二的发展才能叫真正的“本土化”，这一点太难了。K-pop产业链很发达，在一众歌曲里面我们能快速识别“韩流”且不怀疑这个概念的合理性，但电子音乐果真在韩国本土化了吗？我记得乐评博主具象波曾认为K-pop完完全全就是欧美的那套底子，我个人找不出什么反驳的理由。K-pop的造星流程，饭圈文化倒是韩国特色。总之第零方面的实现仰赖于非常创新型的人才、全新的技术、以及文化霸权的突破，平时就别去想这个方面了。

（aespa《Supernova》、NMIXX《O.O》）

第二方面电音制作人容易批判的一点。但这里我可以很确切的说，这一点是不成立的。整篇文章我都很少这么切确地表明特定结论，但“中国电子音乐不行”真不可以用“大众电音审美低下”论证。这句话显然也是和其他电音兴盛的国家相对而言的，但电音在国外，并非大家印象中的人均电音听众，相反，电音依旧是小众流派，不然曲风名称都得附带一个Pop。把居民审美作为主流，你会发现很多电音制作人反感的Phonk也是国外热门榜来的，可以算作“土嗨”前身的Eurodance一类也是国外风靡过的，我现在听《God is a Girl》着实觉得Drop的反拍Bass太搞了，但它当年绝对是超热门曲目。国内外短视频音乐应该也是“不相上下”吧。考察商业化曲目，一些超级明星演唱的、大众喜爱的歌曲在制作人开来也很俗套，从贾斯汀·比伯的《baby》到Mars和Rose的《Apt》。那我们通过政府态度考察主流吧，但了解一下历史你会发现放电音的Club一直被国外政府追着打。之前法国把电音申遗的新闻很火，令电音爱好者感慨万千，但别忘了法国是能在奥运开幕式上放死亡金属，甚至更极端、并非大众化的表演的——小众被当作政治思潮了嘛，总归申遗这一点无法证明电音在法国已经成为大众流行艺术，故依旧接受它具有小众性的结论。另外给一些微观层面的现身说法，我道听途说了一些留学同学的经历，一个中国电音爱好者，到了外国以为班里会找到很多志同道合的朋友，没想到反到开启了出口转内销模式，向外国同学推荐起了他们本国的电子音乐。回到我们的命题，总之不能说“中国观众审美比外国低”，我敢打包票，取个平均值，大众的审美都是那样（在专业电音制作人看来，都不怎么样），无显著差异。

（Groove Coverage《God is a Girl》）

来到第二方面，我个人认为也许以前中国优秀电音制作人少于国外，毕竟起步晚，但近年来我个人觉得这方面也不比外国差了，国电毫无疑问是人才辈出、顶尖作品不断，甚至比不少落入商业化圈套的国外制作人要强了。

最后是第三方面，这也将是我们接下来论证的要点。假若“中国电子音乐不行”命题为真，则大众审美薄弱、优秀人制作人少都不是关键；谈“独创性”之类又难如登天，没几个地方能实现，别提算了；而“中国的电音‘文化’土壤不肥沃，Rave文化不兴盛、或者电音节文化不兴盛”才是最显然、最核心的方面。这依旧是相对而言，如今我也不敢说中国电音节不兴盛——活动很多，也热闹无比；但相比国外，我说Club和电音节差点，大家没意见吧。一个重要现象是，大众都把“DJ”算作土嗨电音的代名词了，而非是Club的“司仪”，亦或是大舞台上的巨星。假如要给大家表演DJ，众人很可能一头雾水，觉得上面那个人也没弹琴也没唱歌，在表演啥啊；那个煤气灶一样的东西看起来又很烫手的样子，更别说让大众跳起来了。

以上确实是事实，于是“中国电子音乐不行”凭借第三方面证毕……

但我们的逻辑必须严丝合缝，有一点是不是漏掉论证了？

（诡辩9：Rave文化兴盛并不是电子音乐文化兴盛的必要条件）

那就是：首先所谓“Club”“Rave”等得是电音文化的一部分，甚至要说明它是关键的、不可缺少的部分。一个破绽显露了出来，因为纵观电子音乐发展史。所谓Rave文化、Club文化并非电子音乐自带属性，回顾上世纪中叶最早的电子音乐，完全由电子电路构成的机器发出声音会让你感到非常实验。和Club、Rave文化等完全不相干。直到1969年，纽约DJ  Francis Grass The Sanctuary推广Beatmatching技术，Club时代才就此拉开帷幕。在那个时代中，Club绝对是一个非常“地下”的场景，并且与嬉皮士、同性恋、性解放等多种特殊的文化交织在一起。举个通俗的例子，一种现在也很流行的曲风Garage，之所以叫Garage是因为它的诞生地，那所同性恋酒吧的名字是Garage。

图2.14.2 皮埃尔·舍费尔（Pierre Schaeffer）在研究音乐。（图/alliance-francaise.ca）

图2.14.3 弗朗西斯·格拉索（Francis Grass The Sanctuary）是第一位现代DJ。（图/网络）

（xxxxxxx）

尽管是这种文化氛围真正让电子音乐从实验、先锋音乐“转正”，但我们有理由认为发迹于地下Club的Rave文化不一定是电子音乐固有的文化属性。

回到“中国电子音乐不行”，这句话潜在的含义也是“要想办法发展一下中国的电子音乐”。对于电子音乐文化，渴求良好的氛围，当台下普通观众不再一动不动盯着台上DJ，这是很多电子音乐爱好者理所当然的愿望，电子音乐从业者立下的发展目标。但经过分析我们不能再理所当然了，而是要面对以下几个问题：

1. 推广电子音乐的Rave文化，是否必然带着那些自七八十年代起根植于电子音乐中的性解放、同性恋等文化？

2. 假若是，这种文化是否真的值得推广，或有相应的文化土壤？

3. 假若不是，理由是什么；“新”的被推广的电子音乐的Rave文化的潜在文化底蕴又是什么？

不知道电子音乐制作人、听众听到这些问题会既胆怯又恼怒，“我听歌听得好好的，你问这些问题干什么？”毕竟涉及意识形态，一些议题有些敏感，会触发互联网大战。我这里只提问题，并且，必须意识到，假若推广电音文化，我们不自己问这些问题，迟早也会有别人问。

这就是我们最早模型中“意识形态、宏大叙事”因素影响对音乐的评判。也许对它们的重视程度与对更微观一些的因素，譬如旋律、混音，等等，呈负相关；即可以通过宏大叙事对整一类音乐可以进行全盘肯定或否定。互联网电子音乐圈一个著名的舆论事件，羊音乐的《阿里山姑娘Phonk》相关争议中，很多制作人肯定会觉得这首曲子制作本来就不好，但有一种评论看似与制作人站在同一条线上，否定羊音乐，但其实不然，他们称羊音乐是“魔改以前的曲子，老祖宗看了要生气”云云。因此重视了宏观叙事，很可能都不会重视微观层面的因素。反过来，像羊音乐的作品还有个重大的噱头，那就是改编“传统音乐”，许多重视宏大叙事因素的听众便仅仅会因这个“传承”的口号而欣赏曲目。另外说一句，《阿里山的姑娘》是相关题材电影的主题曲，不是真正的民歌或山歌，还是很现代的。

而且我必须告诉大家一个事实，重视“宏大叙事”并不是“听不懂电子音乐”的“门外汉”才有的特征。现有的（国外的）权威听众很可能会反对“去除”，拼命政治化电子音乐。 

图2.14.4 《The New Age of Electronic ance Music and Club Culture》

（电子音乐与Club文化的新时代）书影与书评（图/书本截图）

整篇文章作为所谓的“艺术理论”，我也去参考了国外现有的对电子音乐艺术理论，惊讶的发现，他们充斥着宏大叙事的词汇。假若看一些长一点的乐评，味道也差不多，蹦个迪要上升到不知道哪里去。或许可能里面有“文青病”的成分，就像我以前看《萌芽》时里面说李荣浩那首整活曲《贝贝》和碾核有什么关系，都很短，与《乌梅子酱》这种口水歌不同，蕴含着什么对音乐的探索，绷不住了；但除去卖弄文采的成分，依旧有相当多的乐评直言电子音乐的政治性。一本著作更是以元老级听众的身份谴责“现代电音节”（我之前把Club/Rave文化与电音节是分开并列的）已经对“电音”实现了“去政治化”，那是商业化对LGBT、黑人等边缘群体的政治成果的窃取。这是他的说法。还有一个更极端的事，那就是在国外，电子音乐场景与Drugs等也是紧密相连的，具体来说有些复杂，有时候两者是相关的，通过所谓“Rave”（狂热）这一词连结，Acid音色、Psytrance等都是把Drugs和电子音乐串起来；有时电子音乐又是对Drugs的取代，譬如Happy Hardcore，之所以旋律这么Happy是为了彰显这种曲风很健康，与Drugs脱干关系。但总体来说，电子音乐在国外就是与Drugs就是脱不了关系，这也是之前提过国外政府对电音Club追着打的缘故，并且我们能看到新闻说某电音节又有几个人吸Drugs吸死了。从技术上讲，在夜店等场所提取地下水是评估一个地区Drugs管控的常用手段，你可以查到很多这方面的论文。

（放一首Acid Techno）

图2.14.5 在Scopus里检索“电子音乐与毒品”，结果众多。

相信最终许多电子音乐人还是会选择准备硬扛这些所谓“元老级听众”，谴责这种欣赏姿态，认为收听电子音乐应该先关注自己的耳朵——即，“宏大叙事等因素的重视程度理应较小”。这句话很有道理，也许真正回归了音乐的本质、艺术的本质。但这里有一个悖论，因为直面“我要去除它们中的宏大叙事元素吗。”这个问题本身依旧在谈论宏大叙事，总之我们要回归到之前提出的三个问题上，针对它们进行举证。

譬如第一个问题“是否必然带着那些自七八十年代起根植于电子音乐中的性解放、同性恋等文化”，可以回答说，“不必然”，因为第一，我们有说过，电子音乐与Club的关联并不本质，电子音乐最初是电子设备创造的实验音乐，Club是直到七十年代才发扬的，有理由相信这更多是嬉皮士的影子，而不是电子音乐本身的精神；第二，现在收听电子音乐确实也不是等同于沾染那些文化属性，大家也不知道在Club里蹦不带有什么政治性的Rave，某种意义上是在无脑蹦，之前HDM与色情那里也有类似分析，问“你在蹦什么，有什么好蹦的？”很可能回答不出个所以然；前面也说了“商业化的音乐节”等也在改变电子音乐原本具有的属性。

对以上问题作出反驳，即根植于电音文化中的某些特殊文化依然有存在的痕迹，则需要讨论推广它的合理性了，即第二个问题。带有争议就不说了，我以一些争议较小的举例，譬如完全可以把Rave理解为“在音乐下自由跳舞”的精神，这一点看上去就相当合理。（诡辩10：Dustep与武术的结合蕴含着Rave精神）尽管Dustep流行“晃栏杆”（也不是晃栏杆，应该是晃腰以上的身体）、Hardstyle流行打拳，但这完全不是规则，跳舞完全是自由的，我自己还觉得一些Dubstep很适合编一套武术动作，你想一下，一些Bass的延展性和武术里一些伸展的动作其实很般配，而Bass之后一些强劲的打击乐，如Snare与武术中并不击出的一个动作后的那一下寸劲特别像；强调低频和扎稳底盘是一个道理，张牙舞爪的高频和快速的拳和腿法是一个道理。我真在脑海里编过，但可惜我不会武术。总之，以上看似新鲜，但本质从某种角度发扬Rave精神本身。

（放一首Dubstep）

转向第三个问题，所谓的“新”一定是与原来的Club、Rave截然不同的文化场域。我想该问题是可以得到肯定回答的。一种新型的电子音乐文化成为又一主力军——音乐游戏。同样是接受Hardcore乃至Speedcore，音乐游戏玩家接受的逻辑和Raver是截然不同的：它们的高速bpm适合高难度玩法。曲风并非追求纯粹的硬，更加旋律化，也是题中之义。老派的电子音乐听众很容易不屑称他们为“小鬼”，然而完全有一种可能，音乐游戏成为比地下Club更主流的场景，假如有人想骂“别惦记你那音游曲”的话，也理应被骂“别惦记你那DJ set了”。这样看来，“中国电音不行”这个命题大概不再成立，音游玩家社群相当壮大。我个人真正入门电子音乐也是从音乐游戏开始，我不喜欢Club这种场景，因为它们肯定会有酒，极大概率有烟，我超级讨厌烟和酒的；甚至电音节也一般，因为电音节的饮料赞助商永远是啤酒之类，不会有椰子汁的，对吗。回到问题，更加明确的一点是，电音和Drugs在我们这里绝对是切割的，甚至还有宣传禁毒的Dubstep，完全转化成了我们坚守的意识形态，是完全崭新的电子音乐文化底蕴。如此好的禁毒环境，以至于都能用这么Heavy的电子音乐宣传禁毒——这也许会让许多Drugs管制不足的地区的外国人感到羡慕。那张“没有Drugs，他们灵感是怎么来的”的梗图，也成为谈论宏大叙事时，国电值得炫耀的一件事情。

图2.14.6 为何不能说“音乐游戏”在成为电子音乐新场景？

（图/网络截图）

图2.14.7 “这灵感是哪里来的？”

（图/Youtube@MoreBestEverFoodReviewShow）